Rock & Roll Années 00 : interview Gillian Welch

Interrogée suite aux résultats de notre Top 100, Gillian Welch répond aux questions de Marc Zisman sur la genèse de Time (The Revelator).

Dans votre discographie, ce troisième album était aussi le premier à être produit par David Rawlings. Pourquoi n'aviez-vous pas continué à travailler avec T Bone Burnett ?

En fait, on avait commencé à travailler avec lui, mais l'ambiance s'était rapidement détériorée. On avait même failli se battre, un soir. Ensuite, on est resté longtemps sans pouvoir se parler… En même temps, je pense aussi que, de toute façon, il était écrit que ce disque devait être produit par David. Pour moi, cet album est toujours associé à un incroyable sentiment d'autosuffisance. Et je crois qu'il fallait vraiment qu'on le fasse nous-même.

Qu’aviez-vous à l’esprit pour ce troisième album ? Il semble plus brut et plus épuré que Hell Among The Yearlings, son prédécesseur. Est-ce que vous vous sentiez attirés par le concept de “less is more” ?

Oui, et c’est aussi lié à l'idée d’autosuffisance dont je parlais précédemment. A l’époque, j’avais un peu l'impression que nous vivions dans un monde parallèle. Il y avait Dave, moi et Matt, notre ingénieur du son… Je ne me levais jamais avant le coucher du soleil et je ne me sentais plus vraiment en phase avec le monde réel. De plus, Nashville ne fonctionne pas 24 heures sur 24. C’est une ville qui se couche tôt et où tout ferme à 22h. Et je me souviens que, souvent, nous passions le soir dans ces quartiers résidentiels déserts, cherchant désespérément un peu d'animation. Nous avions vraiment l'impression d'être complètement à l'ouest. Nous avions même envisagé de déménager... Personnellement, je me sentais de plus en plus détachée de ce qui nous arrivait. Et je pense que ce sentiment d'abandon, de relâchement, se retrouve dans cet album.

La plupart des chansons laissent l'impression de compos rock qui auraient été ralenties et jouées en acoustique. Qu'en pensez-vous ?

Notre intention était vraiment d'aller au plus simple… Par exemple, nous pensions beaucoup à la rigueur de la peinture Sumi-e (technique chinoise de dessin à l’encre portée à sa perfection par les moines bouddhistes Zen au 14ème siècle, NdlR). Avec une seule ligne, vous pouvez ainsi faire émerger toute une chaîne de montagnes, et même davantage. Nous cherchions vraiment à atteindre cette amplitude panoramique dans notre musique. Il est d'ailleurs intéressant de noter que plus vous réduisez vos moyens d'expression et plus l'horizon de vos possibilités tend à s'élargir.

Ce qui est intéressant avec Time (The Revelator), c'est que tout en étant très ancré dans une tradition qui remonte à la Carter Family il sonne aussi vraiment comme un album de 2001. Etait-ce important pour vous que le disque reste ainsi relié au présent ?

Oui, je pense qu'une œuvre d'art ne peut pas être vraiment accomplie si elle ne s'inscrit pas, d'une façon ou d'une autre, dans son époque. Qu'elle soit ou non tournée vers le passé importe peu… En tout cas, je pense de plus en plus que tout se joue dans la captation de l'instant présent. C'est là que se trouve l'impression de vérité qui nous permet, par exemple, d'être profondément émus par des œuvres très anciennes. Et si l'émotion est là…

Il est aussi intéressant de voir que même si vous êtes fan de Lefty Frizell, Bill Monroe ou Ralph Stanley, vous n’utilisez pas vraiment leurs armes, qu'il s'agisse de la pedal steel ou du fiddle…

Vous savez, ce sont des armes qui me plaisent beaucoup ! En même temps, je n'ai pas forcément envie de les brandir. Ceci dit, l'explication est plus simple… Il s'agit d'un problème technique. Comme ma voix se trouve facilement recouverte par les instruments, nous essayons toujours de réduite autant que possible les orchestrations de nos enregistrements en studio. Bizarrement, seules les cordes ne couvrent jamais ma voix.

D’où est venue l’idée d’intégrer cette version de “I Want To Sing That Rock and Roll”, enregistrée live au Ryman Auditorium ?

C’était l’une des premières fois où nous avons joué cette chanson. On avait essayé de l’enregistrer en studio à plusieurs reprises, mais on n’avait jamais réussi à la jouer aussi bien que sur scène. On a donc utilisé la version live enregistrée avec un simple micro Neumann U47. Le micro était dément, l’acoustique de la salle également… Alors, pourquoi pas ? Et puis, il y a ce passage amusant où le public applaudit le solo de Dave. L'ambiance est si intime à cet instant et, subitement, vous réalisez que vous n'êtes pas seul. D'un coup, c'est tout un monde qui fait irruption. C'est sympathique…

Le titre de l'album était un hommage à la chanson “John The Revelator” de Blind Willie Johnson ?

Oui, bien sûr ! Je connaissais cette chanson de Blind Willie et c'est même grâce à elle que le mot “revelator” m’est venu à l’esprit.

Avec cet album vous avez lancé votre propre label, Acony Records ? Pourquoi ce besoin ?

Eh bien, disons que c'est un peu toujours la même idée d'autosuffisance. Jerry Moss et Herb Alpert, ceux qui m’avaient signé à l'origine, avaient pris leur retraite. Ces mecs étaient de la vieille école. Ils voyageaient en jet privé, venaient à nos concerts dans leur grand manteau de cachemire, passaient nous prendre en limousine et parlaient de nous comme leur “numéro folk”. J’adorais ces types ! Surtout Jerry que je vois encore de temps en temps. Finalement, lorsqu’ils ont pris leur retraite, le label a été vendu, puis intégré dans une énorme société. Or je ne voulais pas faire partie de ce système démesuré. J'étais persuadée de me faire entuber et qu'à un moment ou à un autre, j'allais me retrouver coincée par un contrat, avec des disques introuvables, etc. Du coup, j'ai décidé de monter mon propre label, comme Sam Phillips l'avait fait, à l'origine, avec Sun Records ! Je voulais surtout rester aussi éloignée que possible des salades habituelles de l'industrie du disque.

Quelle est l’origine de ce trip fou et beau qu’est “I Dream A Highway” ? Ces quatorze minutes sont-elles sorties, comme ça, en plein enregistrement, ou bien est-ce que vous en aviez déjà l'idée en franchissant la porte du studio ?

Oh la, c’est une longue histoire ! Pour moi, cette chanson est un peu à l'image de la fabrication de ce disque. Tout a commencé par une petite mélodie que Dave m'avait jouée, un jour, comme ça. Ensuite, j'ai écrit le texte du refrain, puis je me suis lancée dans une forme d’écriture libre. Un truc en prose. Plus tard, Dave s’est plongé dans toutes ces pages d’écriture et a remis un peu d'ordre dans cette prose. Et c'est comme ça qu'est né “I Dream A Highway”. Une fois le morceau terminé, nous avons commencé à redouter les réactions des gens. Nous étions persuadés que certains allaient détester la chanson… Du coup, nous avons ajouté “Everything Is Free”. Pour nous, ce titre était un peu là pour offrir une fausse fin au disque. Comme ça, ceux qui détestaient “I Dream A Highway” pouvaient s'arrêter là, sans avoir à se taper le final de quatorze minutes. Personnellement, cette chanson ne m'a jamais dérangée ou semblée trop longue…

Comment des mots de Taj Mahal (“they caught the katy and left me a mule to ride”) se sont-ils retrouvés sur “Revelator” ?

Oh, c'était juste un petit passage folk qui traînait dans un coin de ma tête… En fait, ces quelques mots viennent d’un titre de Yank Rachell. Près de Minneapolis, j'ai croisé pas mal de musiciens qui connaissaient Yank ou qui avaient joué avec lui. Si vous vous baladez du côté de Bloomington ou de Brown County, vous entendrez cette chanson tout le temps.

L’album a été enregistré dans le fameux Studio B de RCA à Nashville, un lieu mythique où Elvis, les Everly Brothers et des tonnes d'autres géants sont passés. L’atmosphère avait-elle quelque chose de particulier ?

Oui, extrêmement. Mais il faudrait une interview entière pour en parler…

Huit ans après sa sortie, quel regard portez-vous sur Time (The Revelator) ? Quelle valeur donnez-vous à ces dix chansons ?

Vous savez, sur les dix chansons de l'album, il y en a sept que nous jouons presque à chaque concert ! Personnellement, j’aimerais juste pouvoir ajouter “I Dream A Highway”, à chaque fois. Malheureusement, elle est tellement longue qu'on ne l'a finalement jouée qu'à trois reprises. Et, chaque fois, ça a été un moment mémorable, inconfortable et sauvage. Je suis vraiment fière de ce disque… Lorsqu’il a été fini, nous étions exténués. Nous y avions mis tellement de nous-mêmes que nous étions presque devenus fous. J’ai pleuré d’épuisement à de nombreuses reprises en le faisant… Mais, pour revenir à votre question, je dirais que les deux premiers albums contenaient des chansons d'une valeur sensiblement égale. Ce qui a fait la différence, c'était, à mon avis, que celles de Time (The Revelator) étaient en parfaite connexion avec leur temps. D'ailleurs, c'est même plutôt cocasse, quand on pense à quel point nous étions déconnectés du monde en faisant ce disque. Avec cet album, tout aura été une question d'urgence. Nous n'avions pas d'alternative : soit nous “nagions”, soit nous “coulions” pour de bon ! J'ai vraiment essayé d'exprimer mes troubles, ma tristesse et le sentiment d'être perdue dans ce monde… Et je pense que cette honnêteté, cette façon d'exprimer ses sentiments sans détour et avec une grande précision est vraiment ce que l'on peut offrir de mieux à l'humanité. C'est, en tout cas, ce que les artistes doivent essayer d'offrir au plus grand nombre.

A la même époque, vous et Dave Rawlings avez aussi participé à l'enregistrement de Heartbreaker de Ryan Adams. Quel souvenir en gardez-vous de ce disque ?

Mmm, disons que ça aura été assez débridé. Assez fou, même... Vous savez, Ryan est quelqu'un d'assez capricieux en studio. Même s'il est aussi vrai que ça va avec sa personnalité… Je pense qu'à cette époque Nashville était ce qu'il fallait pour Ryan. Et j'ai été heureuse de faire partie de cette aventure. Je regrette juste que la ville soit si vite devenue trop petite pour lui…

Interview Eldorado : Ryan Adams

En marge de notre dossier "Rock'n'roll, années 00", nous publions aujourd'hui une interview inédite de Ryan Adams.
D'autres surprises sont à venir...

En 2008, alors qu'il était sur le point d'arrêter la musique (il a, depuis, repris…), Ryan Adams s'entretenait longuement avec Sylvie Simmons. Voici ce qu'il avait à raconter au sujet de Heartbreaker…

Vous dites que Heartbreaker est un disque très marquant dans votre carrière. Pour quelle raison ?
Après avoir passé pas mal de temps avec Whiskeytown, j'avais fini par me lasser. Il y avait des choses que je n’aimais plus. J’avais été vraiment très déçu par l’album Strangers Almanac. Principalement parce que nous avions perdu notre line-up original... Plus rien ne fonctionnait correctement et je nageais dans un terrible imbroglio financier. J’étais en pleine banqueroute. A l’époque où nous avons terminé Pneumonia, notre dernier album, je vivais à New-York. Le disque ne sortait toujours pas et notre label était sur le point de nous virer... En plus, ma relation avec ma copine commençait à battre de l’aile et je n’avais plus un rond pour payer notre loyer. Du coup, elle est partie et je me suis retrouvé complètement seul.

Comment vous êtes-vous retrouvé à Nashville pour enregistrer ce disque ?
A ce moment, j’ai rencontré un manager dont je tairai le nom et qui, très généreusement, m’a dit : “Ramène-toi à Nashville, je te trouverai un endroit où crécher et je t’avancerai du blé…” D'après lui, il y avait dans cette ville beaucoup de musiciens – dont Gillian Welch et David Rawlings – qui avaient très envie de travailler avec moi. Forcément, je n’ai pas hésité longtemps… De toute façon, aller là-bas était la seule chose à faire pour moi. Malheureusement, une fois sur place, j’ai vite déchanté. C’était vraiment spartiate... Je n’avais pas de voiture et j’habitais dans une maison complètement vide. J’étais la seule personne qui y vivait et, en plus, la maison était infestée d’araignées énormes et extrêmement venimeuses. Si l'une d'elles me piquait, je pouvais vraiment en crever ! Dieu merci, il y avait encore de l’électricité et de l’eau courante, mais c'était tout. J’avais placé une lampe dans un coin, je me planquais sous l’escalier et je dormais à même le sol, enroulé dans ma veste.

Comment s’est déroulé l’enregistrement ?
Dès qu'Ethan Johns est arrivé, notre entente a été parfaite. Le dernier Whiskeytown avait été mixé par Scott Litt et Chris Damey mais, déjà à l’époque, j'avais milité pour qu'on choisisse Ethan. J’adorais son travail. Ses mixes possèdent une telle pureté ! A cette époque, tout le monde succombait à Pro-Tool et tout semblait très propre, policé à l’extrême. Moi, je voulais retrouver le mystère des productions d’Ethan, ce son typique de vieille église. Lors des sessions de Heartbreaker, j’étais la plupart du temps seul avec lui au studio, dans la pièce qui avait été utilisée pour enregistrer Blonde On Blonde, il me semble… Nous prenions bien soin de ne rien rajouter dans le studio. Les lumières étaient crues et nous n’utilisions que du matériel analogique. Ethan faisait sa balance-son en plaçant dans l’espace des micros énormes et très anciens, directement branchés dans la console. De temps en temps, Gillian et David passaient jouer sur quelques titres, puis on voyait débarquer Emmylou (Harris)… C'était incroyable ! Pourtant, chaque soir, Ethan s’en allait et je me retrouvais obligé de retourner dans cette satanée maison hantée… Je passais donc mes soirées à écouter, sur un minuscule poste de radio, les formidables stations de Nashville qui diffusaient du Cole Porter et des ballades d’Otis Redding. Et, le lendemain, on repartait pour un tour…

Pourquoi avez-vous choisi d'ouvrir l’album sur une confrontation entre vous et David Rawlings au sujet de la compilation Suedehead de Morrissey ?
Oh, il s'agissait plus d'une discussion à bâton rompu que d'une vraie confrontation… D'ailleurs, si je me souviens bien, nous parlions surtout du titre “Hairdresser On Fire”… En fait, on se demandait si c’était sur le premier ou sur le second album. Mais Rawlings avait un album sur cassette où il y avait “Interesting Drugs” et tous les singles, une sorte de compilation… Du coup il était un peu perdu. Comme moi, Rawlings et Welch adoraient ces titres… Cette conversation a été saisie durant l’enregistrement de “To Be Young (Is To Be Sad, Is To Be High)”. On était en plein dans ce titre à la Dylan et c’était de la folie. Je n’ai jamais fini les textes de cette chanson, parce que David ne voulait pas arrêter le processus de création de ce morceau. Pour lui, les paroles devaient toujours évoluer. C’était très excitant parce que nous ne savions vraiment pas où nous allions. Nous n’avions que quelques points de repères, avec l’idée que tout devait changer en permanence.

Vous souvenez-vous de vos intentions pour ce premier disque ? Il y a souvent un enjeu important pour un musicien qui tente l’aventure solo…
Je n’avais aucune attente particulière. De toute façon, j’avais dans l’idée que ma carrière était définitivement terminée. Je pensais que j’allais désormais faire des disques modestes, me trouver un boulot stable et tourner un peu, de temps en temps. Et je ne sais pas comment c’est arrivé, mais tout s’est emballé très vite avec cet album. Le seul problème c’est que ce disque m’a mené à la signature avec Lost Highway, mais pour de mauvaises raisons. Et même si je ne cessais de leur dire qu’il y avait d’autres facettes de ma musique que je voulais explorer, eux s'entêtaient à me voir comme un grand espoir de la country contemporaine…


Retour en images sur cette période avec A Heartbreaker Road Trip ce documentaire en deux parties sur la tournée qui a suivi la sortie d'Heartbreaker :

Disparition de Chris Feinstein, le bassiste des Cardinals

On a appris hier le décès de Chris "Spacewolf" Feinstein, le bassiste des Cardinals de Ryan Adams, retrouvé inanimé lundi dans son appartement de Manhattan. Il avait 42 ans. On ne connait pas encore les circonstances de sa mort.

Il était un Cardinal depuis 2006, date à laquelle il avait remplacé Catherine Popper à la basse. Il a participé à l'enregistrement des albums Easy Tiger, Follow the Lights et Cardinology. Il avait également collaboré avec Santigold, Albert Hammond Jr. et Jack Ingram notamment.

Le batteur des Cardinals Brad Pemberton, un ami de lycée qui avait présenté le bassiste à Ryan Adams, est dévasté . "C'est le pire jour de ma vie, j'ai perdu mon meilleur ami aujourd'hui... Les choses ne seront plus jamais pareil" déclare-t-il dans le communiqué publié par Lost Highway.

Ryan Adams avait dit de lui sur son blog : “C'est extraordinaire de jouer avec Spacewolf et de sentir les connections. Ses influences sont si démentes : Hawkwind-Geezer Butler-Lemmy-K. Gordon."

Neal Casal, guitariste des Cardinals avait déclaré dans un interview pour le magazine Relix en décembre 2009 : “L'arrivée de Chris a vraiment solidifié le groupe. Avec lui, on tient notre lineup parfait". Il ajoutait que si cela se passait si bien avec Chris c'est qu'il n'était jamais intimidé par les attitudes sur scène de Ryan Adams. “En concert, Ryan s'amuse à jouer des chansons qu'on a jamais entendues, comme ça, devant des publics souvent importants. Il faut savoir s'adapter et jouer cette chanson sur l'instant. Il faut savoir prendre ce risque. Ca ferait fuir n'importe qui mais moi ça m'amuse. Brad et Jon y sont habitués et sont toujours prêts à relever le défi. Chris est parfait parce qu'il est prêt pour cela aussi."

Ryan Adams s'était séparé des Cardinals il y a quelques mois. Le groupe était resté ensemble pour enregistrer un album avec la chanteuse néo-zélandaise Gin Wigmore et tourner avec elle. Feinstein apparait sur le disque mais n'était pas parti en tournée avec ses camarades.

Chris Feinstein avait très souvent joué avec les Cardinals et Ryan Adams dans le show de David Letterman sur CBS, rétrospective hommage :

Two - 27 juin 2007

Everybody Knows - 1er novembre 2007

Fix It - 29 octobre 2008

L'hommage de Matthew Ryan :

Photo : Neal Casal